PRÉLIMINAIRES

I. Fiche Signalétique de l’Unité d’Enseignement (UE)

Identification formelle de l’UE “Le théâtre congolais et africain: problèmes de création scénique” (Code : TCA2111). Cette section ancre l’enseignement dans le cadre réglementaire du système LMD en RDC (CPE-MINESU). Elle détaille les 4 crédits ECTS, le positionnement en Master 1 (S1) de la mention Interprétation Dramatique, et valide l’alignement avec les compétences visées et les débouchés professionnels ciblés, garantissant la traçabilité et la pertinence du parcours académique pour l’étudiant et l’institution.

II. Problématique Générale et Compétences Visées

Face à une mondialisation culturelle uniformisante, la création scénique africaine doit forger ses propres outils critiques et esthétiques. Cet enseignement dote l’étudiant de la capacité à déconstruire les modèles hérités pour innover. Les compétences développées sont chirurgicales : analyse critique des dramaturgies, intégration technique des esthétiques rituelles congolaises dans une mise en scène contemporaine, et maîtrise des processus d’adaptation de textes patrimoniaux pour un impact socio-économique et culturel mesurable.

III. Méthodologie Pédagogique et d’Évaluation

Une approche pédagogique hybride, combinant séminaires heuristiques, ateliers pratiques de mise en situation et études de cas ciblées sur des productions théâtrales de Kinshasa et Lubumbashi. L’évaluation est conçue pour mesurer la compétence opérationnelle : une analyse dramaturgique écrite (30%), la conception d’un projet de mise en scène documenté (40%), et une soutenance orale démontrant la viabilité artistique et économique du projet proposé (30%), conformément aux exigences d’un Master professionnel.

PARTIE 1 : FONDEMENTS ÉPISTÉMOLOGIQUES ET ESTHÉTIQUES DE LA SCÈNE AFRICAINE

Chapitre I. Déconstruction des Paradigmes Scéniques : Héritages Coloniaux et Ruptures Postcoloniales

I.1 Analyse critique de l’héritage du théâtre occidental en Afrique

Sous l’angle de l’archéologie culturelle, ce point examine l’importation du modèle théâtral occidental durant la période coloniale. Il ne s’agit pas d’un simple rejet, mais d’une dissection de ses structures (scène à l’italienne, quatrième mur, psychologie du personnage) pour en mesurer l’impact sur les formes narratives locales. L’étudiant apprendra à identifier ces traces dans le théâtre congolais contemporain, afin de les subvertir ou de les réemployer en pleine conscience.

I.2 Émergence des dramaturgies post-indépendances

Une connaissance approfondie des dynamiques de rupture qui ont suivi les indépendances est cruciale. Ce sous-chapitre cartographie les mouvements du “théâtre-combat”, du théâtre politique et de la réappropriation identitaire. L’étude des œuvres de pionniers comme Sony Labou Tansi ou Wole Soyinka fournit une grille d’analyse pour comprendre comment le théâtre est devenu un outil de souveraineté culturelle et un vecteur de conscience politique, un modèle pertinent pour les créateurs de la RDC.

I.3 Théorie du “théâtre-forum” d’Augusto Boal et son application en contexte congolais

D’origine brésilienne, la méthodologie du “théâtre de l’opprimé” est ici étudiée comme un outil pragmatique de médiation sociale et de résolution de conflits. L’étudiant apprendra à structurer une séance de théâtre-forum pour aborder des problématiques locales concrètes (conflits fonciers, santé publique, gouvernance). Cette compétence transforme le metteur en scène en ingénieur social, capable de générer un impact direct au sein des communautés urbaines et rurales de la RDC.

I.4 Cartographie des courants théâtraux en RDC : de Kinshasa à Goma

Face à la centralisation culturelle, une vision panoramique des écosystèmes théâtraux de la RDC est indispensable. Ce module analyse les spécificités de la création à Kinshasa (théâtre populaire et de recherche), Lubumbashi (scène universitaire et formelle), Bukavu et Goma (théâtre engagé et de la résilience). L’étudiant sera capable d’adapter son projet artistique et son modèle économique aux réalités sociologiques et logistiques de chaque province, maximisant ainsi ses chances de succès.

Chapitre II. Le Corps et le Rituel : Sources Vives de la Création Scénique Africaine

II.1 Une exploration du corps comme premier texte de la scène

Au-delà du verbe, le corps africain est un palimpseste de significations. Ce sous-chapitre propose une grammaire du geste, de la posture et de la danse issus des traditions congolaises (Kongo, Luba, Pende…). L’étudiant apprendra à diriger l’acteur non pas comme un interprète de texte, mais comme un porteur de mémoire et d’énergie. Il s’agit de doter le metteur en scène d’outils pour créer une physicalité scénique puissante, qui parle avant même les mots.

II.2 Analyse structurale des rituels comme matrice dramaturgique

Les rituels (initiatiques, funéraires, thérapeutiques) sont ici décodés non pas pour leur folklore, mais pour leur architecture dramatique intrinsèque : progression, tension, climax, catharsis. L’étudiant maîtrisera les techniques d’extraction de ces structures pour construire des spectacles contemporains qui résonnent avec l’inconscient collectif. Cette compétence permet de créer des œuvres profondément ancrées et universellement compréhensibles, en évitant l’exotisme de surface.

II.3 De la palabre à la scène : la rhétorique de l’oralité et la construction du dialogue

La structure dialogique de la palabre, avec ses codes, ses silences et sa circularité, offre une alternative riche au dialogue psychologique occidental. Ce module enseigne comment transposer cette rhétorique sur scène pour créer des échanges d’une grande vérité sociale et d’une forte intensité dramatique. Le futur dramaturge apprendra à écrire des dialogues qui reflètent la complexité des interactions sociales en RDC, en intégrant la puissance de la parole publique et communautaire.

II.4 Sémiotique du masque, du costume et de l’objet rituel sur la scène contemporaine

L’utilisation d’objets culturels sur scène pose le risque constant de la “muséification”. Ce point technique forme à la sémiotique appliquée : comment un masque ou un fétiche cesse d’être un artefact pour devenir un signe actif, un personnage ou un moteur de l’action. L’étudiant saura intégrer ces éléments non comme décor, mais comme opérateurs de sens, conférant à sa mise en scène une densité symbolique et une puissance visuelle qui transcendent la simple illustration.

Chapitre III. Dramaturgie et Mise en Scène : Les Nouveaux Chantiers de l’Adaptation

III.1 Face au défi de l’adaptation des mythes et épopées orales

Comment transformer une épopée comme celle de Mwindo, transmise oralement sur plusieurs jours, en une pièce de deux heures ? Ce sous-chapitre livre les clés méthodologiques de la condensation dramaturgique. Il s’agit d’apprendre à identifier le noyau conflictuel, à restructurer la narration pour la scène et à transposer le merveilleux en langage théâtral. Cette compétence est vitale pour valoriser le patrimoine immatériel de la RDC et le rendre accessible à un nouveau public.

III.2 Repenser l’espace scénique au-delà de la scène à l’italienne

Une rupture avec le cadre frontal est une nécessité esthétique et économique. Ce module explore les potentialités des espaces non conventionnels : marchés publics, cours de parcelles, ronds-points, ruines industrielles. L’étudiant apprendra à analyser un lieu pour en révéler le potentiel dramatique et à y concevoir une scénographie agile et signifiante. Il s’agit de former des metteurs en scène capables de créer du théâtre partout, pour tous, en s’affranchissant des contraintes des infrastructures.

III.3 Gestion du plurilinguisme sur scène (français, lingala, swahili, tshiluba)

La réalité polyglotte de la RDC est une richesse, non un obstacle. Ce point technique aborde les stratégies de gestion du plurilinguisme : surtitrage créatif, traduction intra-scénique par les acteurs, utilisation du corps comme vecteur de sens universel. Le metteur en scène apprendra à faire de la diversité linguistique un moteur rythmique et musical du spectacle, créant une œuvre qui célèbre la complexité nationale tout en restant lisible pour un public large, voire international.

III.4 Économie de la création : stratégies de production pour un théâtre viable en RDC

Un projet artistique sans modèle économique est un projet mort-né. Ce sous-chapitre, résolument pragmatique, analyse les chaînes de valeur du spectacle vivant en RDC. Il forme à la recherche de financements diversifiés (mécénat local, crowdfunding, partenariats), à la budgétisation d’une production légère et à la mise en place de stratégies de diffusion innovantes. L’objectif est de rendre l’étudiant autonome et capable de bâtir une carrière durable de créateur.

PARTIE 2 : STRATÉGIES ET PRATIQUES DE LA MISE EN SCÈNE CONTEMPORAINE

Chapitre VII. Dramaturgie de l’Adaptation : Du Texte à la Scène Congolaise

VII.1 Analyse structurelle et déconstruction du texte source

L’analyse structurelle du texte source constitue le préalable à toute adaptation pertinente. Cette section dote l’étudiant des outils de la narratologie et de la sémiotique pour démanteler une œuvre classique ou contemporaine, en extraire son architecture profonde, ses nœuds conflictuels et ses archétypes. L’objectif est de séparer le squelette universel de l’œuvre de sa chair culturelle d’origine, afin de préparer une greffe réussie sur le terreau socio-culturel de la RDC.

VII.2 Techniques de transposition culturelle et thématique

Face à la nécessité de résonance locale, la transposition dramaturgique réécrit les enjeux pour le public congolais. Cette section outille le metteur en scène pour substituer des références culturelles, ajuster les conflits sociaux (par exemple, la chefferie vs l’État moderne) et réancrer le dialogue. L’étudiant apprendra à transformer un classique européen en un miroir pertinent des tensions de Kinshasa ou des réalités du Kivu, assurant une pertinence immédiate et une appropriation par le public.

VII.3 Gestion dramaturgique du plurilinguisme scénique

Une gestion consciente du plurilinguisme est un impératif scénique en RDC. L’étudiant maîtrisera les techniques de basculement de code (français, lingala, swahili, tshiluba) non comme un simple effet de réel, mais comme un outil dramaturgique puissant. Il apprendra à utiliser la langue pour définir les statuts sociaux, caractériser les personnages, créer des quiproquos ou souligner des rapports de pouvoir, enrichissant ainsi la texture sonore et sémantique de la représentation.

VII.4 Constitution du dossier dramaturgique professionnel

Sous l’angle de la professionnalisation, la constitution d’un dossier dramaturgique est l’étape clé pour convaincre les producteurs et les partenaires financiers. Ici, l’étudiant formalise sa vision en un document technique : note d’intention, synopsis adapté, découpage séquentiel, et propositions scénographiques. C’est l’outil indispensable pour passer de l’idée au financement d’une production au Centre Wallonie-Bruxelles, à l’Institut Français ou auprès de mécènes locaux.

Chapitre VIII. Le Corps, l’Espace et le Rituel : Esthétiques de la Performance Africaine

VIII.1 La corporéité de l’acteur : entre danse, transe et jeu

Ancrée dans les pratiques traditionnelles, la corporéité de l’acteur africain transcende le jeu psychologique occidental. Ce module explore le corps comme principal vecteur de sens, un instrument capable de passer du mouvement dansé à la gestuelle quotidienne, de la stylisation rituelle à l’incarnation d’un état de transe. L’étudiant apprendra à diriger et à développer un jeu physique expressif, essentiel pour les scènes de la RDC où le corps parle souvent plus fort que les mots.

VIII.2 Dramaturgie de l’espace : du cercle au non-lieu urbain

Dépassant la scène frontale à l’italienne, la conception spatiale africaine est dynamique et symbolique. Cet enseignement examine l’utilisation de l’espace circulaire, hérité du village, et son adaptation aux contextes urbains de Kinshasa : la rue, le marché, la parcelle. L’étudiant saura comment investir scéniquement des lieux non dédiés pour créer une proximité et une participation du public, transformant la contrainte matérielle en une force esthétique et politique.

VIII.3 La fonction du son et de la musique : le musicien-acteur

Intrinsèquement liée à l’action dramatique, la musique sur la scène congolaise n’est jamais un simple habillage. Ce sous-chapitre analyse la figure du musicien-acteur, héritier du griot, qui commente, dialogue avec les personnages et rythme la narration. L’étudiant apprendra à intégrer la rumba, les polyphonies traditionnelles ou les créations sonores contemporaines comme un personnage à part entière, structurant l’émotion et le déroulement de la pièce.

VIII.4 Structuration rituelle de la représentation

Loin d’une simple citation folklorique, la structure du rituel offre un puissant modèle dramaturgique. Ce segment enseigne comment utiliser les phases du rituel (séparation, marge, agrégation) pour construire la progression d’une pièce contemporaine. L’étudiant sera capable de créer des spectacles qui ne racontent pas seulement une histoire, mais qui génèrent une expérience collective transformatrice pour le public, réactivant ainsi la fonction sociale première du théâtre.

Chapitre IX. Direction d’Acteurs et Économie de la Création : Modèles pour la RDC

IX.1 Méthodologies de la direction d’acteurs non-naturaliste

La direction d’acteurs pour un théâtre non-naturaliste exige des outils spécifiques, au-delà de la méthode Stanislavski. Ce volet se concentre sur les techniques d’improvisation structurée, le travail sur le chœur, le jeu masqué et la physicalité exacerbée. L’étudiant apprendra à guider ses comédiens vers une vérité scénique qui ne réside pas dans le réalisme psychologique mais dans la force symbolique du geste, de la voix et de la présence collective.

IX.2 Économie de la production théâtrale en RDC

Confrontée à la rareté des subventions, l’économie de la création théâtrale en RDC repose sur l’ingéniosité. Cette section fournit une analyse pragmatique des modèles économiques viables : micro-mécénat, partenariat avec des entreprises locales, billetterie adaptée, et stratégies de crowdfunding. L’étudiant sera formé à élaborer un budget réaliste et un plan de financement pour une petite ou moyenne production, assurant la faisabilité économique de son projet artistique.

IX.3 Scénographie et technique de la précarité créative

Une approche ingénieuse de la scénographie transforme le manque de moyens en une signature esthétique. Ce module explore les principes du “théâtre pauvre” appliqués au contexte congolais : utilisation créative de matériaux de récupération (pneus, bidons, pagnes), conception d’éclairages avec des ressources limitées, et création de costumes symboliques. L’étudiant saura concevoir un environnement visuel et technique percutant avec une économie de moyens maximale.

IX.4 Stratégies de diffusion et de développement de public

Au-delà de la création, la question de la diffusion est vitale pour la survie du théâtre. Ce dernier point aborde les stratégies pour faire tourner un spectacle en RDC et à l’international. Il couvre la création de dossiers de diffusion, le démarchage des festivals (Mantsina sur scène, etc.), la mise en place de tournées dans les centres culturels provinciaux et le développement d’actions de médiation pour fidéliser et élargir le public local.

ANNEXES

A. Grille d’Analyse Dramaturgique pour l’Adaptation

Outil méthodologique structuré, cette grille offre un protocole d’analyse pour l’adaptation de récits, qu’ils soient issus de la littérature écrite ou du patrimoine oral congolais (contes, épopées). Elle guide le metteur en scène dans le décorticage de la structure narrative, la psychologie des personnages et les enjeux thématiques, afin de les transposer en un langage scénique pertinent. Son application systématique assure une fidélité à l’esprit de l’œuvre tout en libérant le potentiel créatif pour le public de Kinshasa ou Lubumbashi.

B. Cartographie des Acteurs et Bailleurs de Fonds pour les Arts Vivants en RDC et en Afrique Centrale

Face au défi structurel du financement de la création théâtrale, cette cartographie constitue un répertoire stratégique. Elle recense les principaux instituts culturels, fondations privées, festivals (Mantsina sur Scène, Toseka) et agences de coopération actives en RDC et dans la sous-région. Pour chaque entité, des informations clés sur les appels à projets, les critères d’éligibilité et les contacts sont fournies, transformant ce document en un levier opérationnel pour tout porteur de projet scénique.

C. Lexique des Concepts Scéniques Rituels et Postcoloniaux

Indispensable à la précision terminologique, ce lexique définit les notions clés mobilisées dans l’étude des dramaturgies africaines et postcoloniales. Il clarifie des concepts tels que le « corps-archive », la « griotique scénique », le « théâtre d’intervention » ou l’esthétique du « marronnage culturel ». Chaque entrée offre une définition concise, son origine théorique et un exemple d’application dans le contexte d’une performance congolaise, de Sony Labou Tansi à des créations plus récentes.

D. Vade-mecum du Droit d’Auteur et du Droit de la Scène en RDC

Une connaissance approfondie des cadres légaux est non-négociable pour la professionnalisation. Ce vade-mecum synthétise les aspects essentiels du droit d’auteur appliqué aux arts de la scène en RDC. Il détaille les procédures d’enregistrement d’une œuvre auprès de la SOCODA (Société Congolaise des Droits d’Auteur et des Droits Voisins), la structure d’un contrat de cession de droits, et les recours en cas de plagiat ou d’exploitation non autorisée. C’est un bouclier juridique pour le créateur, assurant la protection et la juste rémunération de son travail.

Lire aussi :

Cours de Technologie des appareils, licence-1, TDA1121

Cours de Elaboration d'un projet bancable, master-1, EPB2122

Cours de Conception des Théorie, Pratique et Techniques commerciales, master-1, CTP2121

Cours de Méthodologie du travail universitaire, licence-1, MTU1111

Cours de Pratiques de la traduction et de l'interprétation, licence-1, PTI1111

Cours de Cosmétologie, master-1, CSM2111