PRÉLIMINAIRES

I. Positionnement Stratégique de l’UE

Au carrefour des industries culturelles et créatives, cette unité d’enseignement positionne la scénarisation comme un levier économique et identitaire pour la RDC. Elle vise à doter le pays de professionnels capables de transformer le riche patrimoine narratif congolais (oral, littéraire, historique) en produits audiovisuels compétitifs sur le marché international. L’objectif est de structurer une filière locale, de la conception à la production, pour capter la valeur et affirmer une souveraineté culturelle à l’ère du numérique.

II. Compétences Visées et Grille d’Évaluation

Validation des acquis par une approche projet. L’étudiant sera évalué sur sa capacité à produire un dossier de scénarisation complet : logline, synopsis, traitement, et les dix premières pages dialoguées d’un scénario adapté d’une œuvre ou d’un fait congolais. La grille d’évaluation sanctionnera la rigueur structurelle, la pertinence de la transposition visuelle, la qualité des dialogues et la viabilité économique du projet. Une soutenance orale simulera un pitch devant un comité de production.

III. Débouchés Professionnels en RDC

Face à la structuration progressive du marché audiovisuel congolais, les compétences acquises ouvrent des carrières précises. Le lauréat pourra intégrer les équipes de production naissantes à Kinshasa ou Lubumbashi comme scénariste, script-doctor pour améliorer des projets existants, ou concepteur-rédacteur pour les agences de communication et les ONG qui investissent massivement dans le contenu vidéo pour leurs campagnes. Ce profil est essentiel pour élever la qualité des productions locales.

IV. Lexique Opérationnel du Scénariste

Maîtrise du jargon technique comme prérequis à toute crédibilité professionnelle. Ce segment introductif ancre la terminologie standardisée (logline, beat sheet, point de bascule, exposition, climax) dans une pratique concrète. Chaque terme est défini non pas abstraitement, mais par son utilité dans le processus de production, assurant que l’étudiant parle le même langage que les producteurs, réalisateurs et financiers, qu’ils soient basés à Kinshasa, Lagos ou Los Angeles.

PARTIE 1 : FONDEMENTS DE LA DRAMATURGIE ET ADAPTATION

Chapitre I. Fondements de la Dramaturgie Appliquée

I.1 La Structure Narrative comme Ossature du Récit

Fondement de toute narration efficace, la structure en trois actes est ici analysée comme un squelette universel adaptable aux spécificités culturelles. L’étude se concentre sur sa fonction pragmatique : créer et gérer la tension, rythmer l’information et garantir la satisfaction du spectateur. Des modèles alternatifs (héros aux mille visages, structures non-linéaires) sont étudiés pour leur potentiel à renouveler les formes narratives inspirées des traditions orales congolaises.

I.2 Le Conflit : Moteur de l’Action et de la Transformation

Principe irréductible de la dramaturgie, le conflit est disséqué dans ses dimensions interne, interpersonnelle et sociétale. L’accent est mis sur la capacité à identifier et à construire des conflits pertinents pour le contexte de la RDC : dilemmes moraux post-conflit, tensions entre tradition et modernité, lutte pour les ressources en milieu urbain. L’étudiant apprend à utiliser le conflit non comme une fin, mais comme l’outil qui révèle le caractère et fait avancer l’intrigue.

I.3 Ingénierie des Personnages et Arches Transformationnelles

Au-delà du simple portrait, ce sous-chapitre aborde la création de personnages comme une science de la psychologie appliquée. L’étudiant apprend à définir l’objectif, l’obstacle et le besoin profond de ses protagonistes pour construire une arche narrative cohérente et puissante. Des études de cas se concentreront sur la création de figures héroïques ou anti-héroïques qui résonnent avec les aspirations et les défis de la société congolaise contemporaine, assurant une identification forte du public.

I.4 Le Thème : Unification du Récit et Portée Universelle

Véritable colonne vertébrale idéologique du scénario, le thème est ici traité comme un élément de design narratif. L’étudiant apprend à formuler une prémisse thématique claire et à la décliner de manière subtile à travers l’intrigue, les personnages et le symbolisme visuel. L’enjeu est de démontrer comment une histoire profondément ancrée dans une réalité locale, comme celle de la filière du cobalt, peut porter un message universel sur l’exploitation et la dignité humaine.

Chapitre II. Analyse et Déconstruction du Matériau Source

II.1 Identification du Potentiel Dramatique d’un Texte

Sous l’angle de la faisabilité cinématographique, ce segment enseigne à lire un roman, une pièce de théâtre ou un article de presse avec le regard d’un producteur. L’étudiant apprend à évaluer un texte source selon des critères objectifs : force du concept, potentiel visuel, clarté du conflit central, et universalité des personnages. L’analyse d’œuvres d’auteurs congolais comme Sony Labou Tansi ou Fiston Mwanza Mujila servira de cas pratique pour identifier les joyaux narratifs à adapter.

II.2 Cartographie des Lignes Narratives et des Sous-intrigues

Face à la complexité d’une œuvre littéraire, la simplification est un art. Ce module fournit les outils pour cartographier les différentes trames narratives (intrigue principale, intrigues secondaires), identifier leurs interconnexions et décider stratégiquement quoi conserver, fusionner ou abandonner. L’objectif est de préserver l’essence du récit tout en le resserrant dans un format de 90 à 120 minutes, une contrainte économique et attentionnelle incontournable du cinéma moderne.

II.3 Extraction de l’Essence Thématique et du Ton

Une transposition réussie préserve l’âme de l’œuvre originale. L’étudiant apprend à distinguer l’intrigue du propos, à identifier le ton dominant (satirique, tragique, épique) et à trouver ses équivalents cinématographiques. Comment traduire la prose ironique d’un auteur en langage visuel ? Comment maintenir une atmosphère de thriller politique présente dans un essai ? Ce sont les questions pratiques auxquelles ce sous-chapitre apporte des réponses techniques.

II.4 Aspects Juridiques et Éthiques de l’Adaptation en RDC

Enjeux juridiques et déontologiques constituent le socle du professionnalisme. Ce volet aborde de front la question des droits d’auteur en RDC, les procédures de négociation d’une option sur un livre avec l’auteur ou ses ayants droit, et le rôle de la SOCODA. Il explore également la responsabilité éthique du scénariste lors de l’adaptation de faits réels ou de biographies, particulièrement dans le contexte sensible de l’histoire congolaise récente.

Chapitre III. Techniques de Transposition Narrative

III.1 Du Synopsis au Traitement : L’Art de la Synthèse et du Développement

Étape charnière entre l’idée et le script, la rédaction des documents de pré-écriture est une compétence monnayable. L’étudiant apprend à rédiger un synopsis percutant (1 page) pour convaincre, puis un traitement détaillé (15-20 pages) au présent et à la troisième personne, qui raconte le film scène par scène. Ce document devient l’outil de travail principal pour le réalisateur et le producteur, et la base de la recherche de financements auprès d’institutions comme le FONSIC.

III.2 La Visualisation : Penser en Plans et en Séquences

La conversion du verbe en image est le cœur du métier. Ce module force l’étudiant à abandonner la prose littéraire pour adopter une écriture purement fonctionnelle, orientée vers ce que la caméra peut voir et le microphone entendre. À travers des exercices pratiques, il apprendra à décrire une action, un lieu ou une émotion en termes de composition de plan, de mouvement et de son, transformant une page de scénario en un véritable ordre de mission pour l’équipe technique.

III.3 Écriture des Dialogues : Vraisemblance, Sous-texte et Rythme

Loin d’être un simple échange verbal, le dialogue au cinéma est une forme d’action. Ce segment se concentre sur l’écriture de dialogues qui sonnent juste dans le contexte multilingue de la RDC, tout en servant une fonction dramatique précise : révéler le personnage, faire avancer l’intrigue ou créer du sous-texte. Des techniques pour tester la fluidité et l’impact des dialogues par la lecture à voix haute sont enseignées comme une discipline quotidienne.

III.4 Le Beat Sheet : Structuration Scène par Scène

Outil de précision pour l’architecte narratif, le “beat sheet” ou “séquencier” décompose le traitement en une liste de scènes numérotées. Pour chaque scène, l’étudiant doit définir : le lieu, le moment, les personnages présents, l’objectif de la scène et, surtout, le changement de valeur émotionnelle ou informationnelle qui s’y opère. Cette méthode garantit qu’aucune scène n’est superflue et que le rythme global du film est maîtrisé avant même l’écriture de la première ligne de dialogue.

PARTIE 2 : INGÉNIERIE NARRATIVE ET TECHNIQUE

Chapitre IV. Adaptation et Transposition Narrative

IV.1 Sécurisation des droits et analyse de la source

Face à la complexité juridique, la première étape de l’adaptation est non-négociable : la sécurisation des droits. Cette section détaille les procédures d’acquisition des droits d’un roman, d’une pièce ou d’un fait divers en RDC, en naviguant le cadre de la SONECA et les usages locaux. L’analyse de la source qui s’ensuit n’est pas littéraire mais stratégique : identifier les éléments structurels transposables et ceux qui constituent des impasses cinématiques, assurant la viabilité du projet avant toute écriture.

IV.2 Identification du noyau cinématique et déconstruction

L’identification du noyau cinématique consiste à extraire l’ADN d’une œuvre : son thème central, son conflit moteur et son potentiel visuel. Cet exercice de distillation est crucial pour ne pas se perdre dans les détails du matériau original. L’étudiant apprendra à déconstruire une narration complexe, qu’elle provienne d’un roman de V.Y. Mudimbe ou d’une tradition orale kongo, pour en isoler une ligne dramatique claire et puissante, capable de soutenir une structure de 90 minutes.

IV.3 Stratégies de compression et d’expansion narrative

Une compression drastique du matériau source impose des choix chirurgicaux. Ce sous-chapitre enseigne les techniques de fusion de personnages, de création d’ellipses temporelles efficaces et de simplification des sous-intrigues sans trahir l’esprit de l’œuvre. Inversement, l’expansion d’une nouvelle ou d’un court récit exige de savoir créer de la matière narrative cohérente, en développant des arcs secondaires qui enrichissent le propos central et renforcent l’engagement du spectateur.

IV.4 Préservation de la voix et du ton originels

Sous l’angle de la fidélité créative, il s’agit de traduire une “voix” littéraire en un “ton” cinématographique. Comment conserver l’ironie d’un auteur, la mélancolie d’un poème ou la tension d’un reportage à travers des outils purement audiovisuels ? L’analyse portera sur l’usage du dialogue, du rythme de montage, de la direction photo et du son pour recréer une expérience émotionnelle et thématique équivalente, adaptée au nouveau médium.

Chapitre V. La Scène et le Dialogue : Moteurs de l’Action

V.1 Architecture interne de la scène

Toute scène performante repose sur une architecture précise : un objectif clair pour un personnage, un obstacle tangible qui s’y oppose, et une issue qui fait basculer la situation. Ce segment décompose cette mécanique fondamentale. L’étudiant apprendra à construire des scènes qui ne sont pas de simples illustrations, mais des mini-drames propulsant l’intrigue vers l’avant, chaque scène modifiant la valeur de la charge émotionnelle ou informationnelle du récit.

V.2 Le dialogue comme action et révélation

Au-delà de l’échange verbal, le dialogue est une forme d’action. Ce sous-chapitre se concentre sur l’art du sous-texte, où les personnages disent une chose pour en signifier une autre, créant tension et profondeur. Une attention particulière est portée à l’authenticité linguistique en contexte congolais : l’intégration stratégique du lingala, du swahili ou du français kinois non pas comme un folklore, mais comme un outil de caractérisation précis et un révélateur des dynamiques de pouvoir.

V.3 Écriture visuelle et économie de mots

L’économie de mots est la clé de la narration visuelle. L’étudiant est formé à décrire des actions, des expressions et des environnements avec une précision qui guide le réalisateur et l’acteur sans les surcharger. Il s’agit de transformer le scénario en une partition visuelle, où chaque description a une fonction dramatique : révéler un trait de caractère, installer une menace ou symboliser un état interne, prouvant que le cinéma est l’art de montrer, non de dire.

V.4 Rythme, tempo et transitions scéniques

La maîtrise du rythme scénique distingue le script amateur du professionnel. Ce module analyse comment la longueur des phrases, la densité des descriptions et l’alternance dialogue/action créent un tempo spécifique. L’étudiant apprendra à manipuler ce rythme pour générer de la tension, de l’humour ou de l’émotion, et à concevoir des transitions (cut, dissolve, match cut) qui ne sont pas de simples liaisons mais des articulations signifiantes du récit.

Chapitre VI. Le Découpage Technique : Blueprint de la Réalisation

VI.1 De la séquence au plan : la grammaire filmique

Une connaissance approfondie de la grammaire filmique est indispensable pour le scénariste moderne. Ce segment traduit les intentions narratives en instructions techniques concrètes. L’étudiant apprend à indiquer les valeurs de plan (gros plan, plan d’ensemble), les angles de prise de vue et les mouvements de caméra (travelling, panoramique) directement dans son script, transformant le texte en un pré-montage et facilitant un dialogue constructif avec le réalisateur.

VI.2 Le dépouillement systématique du scénario

Le dépouillement est un acte de gestion de projet. Il s’agit d’extraire méthodiquement du scénario toutes les informations nécessaires à la production : personnages par scène, costumes, accessoires, décors, effets spéciaux. Cette compétence pragmatique est vitale pour évaluer la faisabilité et le coût d’un projet. L’étudiant apprendra à créer des fiches de dépouillement standardisées, un outil essentiel pour optimiser les tournages à Kinshasa ou Goma avec des ressources limitées.

VI.3 Le scénario comme outil de collaboration

Loin d’être un document solitaire, le scénario est un instrument de collaboration. Ce sous-chapitre explore comment le scénariste communique ses intentions aux chefs de poste clés : le réalisateur (vision), le directeur de la photographie (lumière et cadre), le chef décorateur (environnement) et les acteurs (intentions). Un scénario clair, précis et techniquement informé devient la colonne vertébrale sur laquelle toute l’équipe créative peut s’appuyer pour construire une œuvre cohérente.

VI.4 Standardisation du formatage et logiciels dédiés

L’adoption des standards de formatage internationaux (type Final Draft) n’est pas une coquetterie mais une nécessité professionnelle. Un script correctement formaté garantit une lecture fluide et une évaluation rapide de sa durée. L’étudiant se familiarisera avec les logiciels de l’industrie (Final Draft, Celtx, Trelby) et apprendra les conventions strictes de mise en page pour les scènes, les dialogues et les transitions, assurant que son travail soit immédiatement recevable par les producteurs nationaux et internationaux.

ANNEXES

A. Grille de Formatage Professionnel du Scénario

Instrument de normalisation indispensable, cette grille détaille la mise en page canonique d’un scénario (marges, polices, en-têtes de scène, dialogues). Son application rigoureuse garantit une lisibilité immédiate par les producteurs et réalisateurs, éliminant toute ambiguïté technique. L’étudiant dispose ainsi d’un canevas prêt à l’emploi pour présenter ses projets, aligné sur les standards internationaux mais adaptable aux spécificités des maisons de production émergentes à Kinshasa ou Lubumbashi, facilitant l’intégration professionnelle.

B. Check-list d’Auto-Évaluation du Script-Doctor

Conçue comme un outil diagnostique, cette check-list permet une analyse systémique de la structure narrative, de la cohérence des personnages et du rythme du scénario. Chaque point de contrôle (arc transformationnel, tension dramatique, efficacité des dialogues) force l’auteur à adopter une posture de script-doctor sur son propre travail. C’est une méthode pragmatique pour identifier les faiblesses structurelles avant soumission, un atout majeur pour se conformer aux exigences des appels à projets panafricains.

C. Cadre Juridique et Contractuel du Scénariste en RDC

Synthèse pragmatique du droit d’auteur congolais, ce guide expose les démarches de protection d’une œuvre auprès de la SOCODA (Société Congolaise des Droits d’Auteur et des Droits Voisins) et les clauses essentielles d’un contrat de cession de droits ou d’option. Une maîtrise de ces aspects juridiques est non négociable pour sécuriser sa propriété intellectuelle et négocier sa rémunération. Il fournit des modèles de clauses types, armant le futur scénariste pour défendre ses intérêts face aux producteurs locaux et internationaux.

D. Lexique Technique et Répertoire des Opportunités

Double ressource stratégique, cette annexe combine un glossaire bilingue (français-anglais) des termes techniques du découpage et de la post-production avec un répertoire qualifié. Ce dernier recense les festivals (FESPACO, Écrans Noirs), les fonds de soutien (OIF, ACP-UE Culture) et les plateformes de coproduction accessibles aux créateurs congolais. L’objectif est de transformer la compétence créative en projet viable, en connectant directement l’étudiant à l’écosystème de financement et de diffusion du cinéma africain.

Lire aussi :

Cours de Dramatisation des textes non théâtraux, master-1, DTT2121

Cours de Gestion administrative et des ressources humaines, master-1, GAR2121

Cours de Techniques et Outils de travail II, master-1, TOT2112

Cours de Travail de studio: le langage de la voix, master-1, TSL2121

Cours de Elaboration de plan de développement stratégique, master-1, EPS2121

Cours de Stage Professionnel, master-1, BEC2111