PRÉLIMINAIRES

I. Note à l’étudiant et philosophie du cours

Ce manuel constitue un protocole de recherche-création. Il est conçu pour armer le futur chercheur en arts de la scène d’une méthodologie expérimentale rigoureuse, directement applicable au contexte congolais. L’approche fusionne la rigueur des sciences humaines et la singularité du geste artistique pour produire un savoir nouveau, vérifiable et pertinent. L’objectif est de transformer la pratique théâtrale en un laboratoire d’investigation sur le réel. L’étudiant forgera ici une capacité d’analyse et de production à haute valeur ajoutée.

II. Compétences visées et débouchés professionnels

La maîtrise de ce cours ouvre des trajectoires professionnelles précises et valorisées. Au-delà du parcours académique de chercheur, les compétences acquises sont directement monnayables auprès des institutions culturelles, des festivals et des compagnies théâtrales en RDC et à l’international. Le diplômé sera apte à opérer comme conseiller dramaturgique pour le Tarmac des Auteurs à Kinshasa, comme curateur pour la Biennale de Lubumbashi ou comme critique d’art pour des publications spécialisées. Il saura auditer et optimiser un processus de création.

III. Cadre épistémologique de la recherche-création

La recherche-création, telle que définie par le théoricien Jean-Marc Larrue, postule que l’acte créatif est lui-même un processus de production de connaissance. Ce cours adopte ce postulat comme un axiome fondamental. Il s’agit de structurer l’expérimentation scénique pour qu’elle génère des données analysables, répondant à une hypothèse claire sur le langage théâtral ou la réception du public. L’étudiant apprendra à objectiver son propre processus créatif, le transformant en un terrain d’étude scientifique rigoureux et publiable.

PARTIE 1 : FONDEMENTS ÉPISTÉMOLOGIQUES ET PROTOCOLAIRES DE LA RECHERCHE EN ARTS SCÉNIQUES

Chapitre I. Délimitation du champ : Sciences Théâtrales vs. Études Performativess

La distinction séminale de Patrice Pavis entre l’analyse du texte dramatique et celle de sa représentation scénique fonde ce chapitre. Nous tranchons ce débat en l’appliquant aux réalités congolaises : comment analyser le théâtre de Sony Labou Tansi versus un rituel de possession Pende ? Ce chapitre fournit une grille de lecture pour catégoriser et étudier ces deux types de manifestations sans les hiérarchiser. L’étudiant forgera une compétence analytique fine pour disséquer n’importe quelle forme de spectacle vivant.

I.1 L’émergence de la théâtrologie comme discipline autonome

Née en Europe au début du XXe siècle, la théâtrologie visait à conférer un statut scientifique à l’étude du théâtre. Elle se concentre sur l’œuvre dramatique, sa structure et son histoire, en s’appuyant sur la philologie et l’historiographie. Appliquée à la RDC, cette approche permet une analyse structurale des pièces fondatrices du théâtre congolais moderne, comme celles de Mufwankolo Wa Lesa. L’étudiant apprendra à produire une analyse dramaturgique rigoureuse d’un corpus textuel local.

I.2 Le “tournant performatif” et l’apport des Performance Studies

Initié par Richard Schechner dans les années 1960, le tournant performatif élargit radicalement l’objet d’étude à toute action humaine conçue comme une représentation. Cette approche permet d’analyser les rituels, les cérémonies politiques ou les performances de rue de Kinshasa avec les mêmes outils que le théâtre institutionnel. Le cours montre comment utiliser cette grille d’analyse pour décoder les dynamiques sociales congolaises. L’étudiant saura identifier et analyser les logiques performatives dans des contextes non artistiques.

I.3 Grille de classification des formes spectaculaires en RDC

Face à la diversité des formes scéniques en RDC, des danses traditionnelles aux créations contemporaines urbaines, une taxonomie claire est indispensable. Ce sous-chapitre propose une méthodologie de classification basée sur des critères objectifs : rapport texte/scène, statut du performeur, type d’espace, et fonction sociale. Cette grille est un outil de diagnostic puissant pour le chercheur de terrain. L’étudiant sera capable de cartographier et de positionner n’importe quelle performance locale dans le champ global des arts vivants.

I.4 Le statut de l’artiste-chercheur : cadre juridique et institutionnel

Une analyse juridique et institutionnelle du statut de l’artiste en RDC révèle des angles morts critiques pour qui veut mener une recherche-création. Ce segment examine les cadres existants, les financements possibles et les vides juridiques concernant la propriété intellectuelle d’un protocole de recherche scénique. Il s’agit de donner à l’étudiant les clés pour sécuriser son travail. Il saura ainsi naviguer dans l’écosystème administratif et légal pour monter et protéger un projet de recherche-création.

Chapitre II. La Problématique de Recherche : De l’Intuition Artistique à l’Hypothèse Scientifique

Le concept de “falsifiabilité” de Karl Popper, bien que issu des sciences dures, est ici notre pierre angulaire pour structurer la démarche. Une intuition artistique, aussi brillante soit-elle, doit être traduite en une proposition réfutable pour devenir un objet de recherche. Ce chapitre détaille le processus de transformation d’une idée de mise en scène en une hypothèse de travail vérifiable. L’étudiant acquerra la compétence cruciale de formuler une problématique de recherche qui soit à la fois artistiquement pertinente et scientifiquement valide.

II.1 Identification d’un “angle mort” dans le paysage théâtral congolais

Une connaissance approfondie des dynamiques de la création contemporaine à Kinshasa, Lubumbashi ou Goma est le point de départ. Ce sous-chapitre enseigne les techniques de veille et d’analyse pour repérer les questions non traitées, les formes peu explorées ou les conventions scéniques jamais remises en cause sur le territoire. C’est dans ces “angles morts” que se nichent les sujets de recherche les plus féconds. L’étudiant apprendra à réaliser un état de l’art critique de la production théâtrale locale.

II.2 La formulation de la question de recherche et des hypothèses

Sous l’angle de la précision chirurgicale, la question de recherche doit être claire, concise et univoque. Ce module présente la méthode “PICO” (Population, Intervention, Comparaison, Outcome), adaptée des sciences médicales, pour la formaliser. Par exemple : “Chez les spectateurs kinois (P), une mise en scène non-naturaliste (I) d’une pièce de Molière, comparée à une approche classique (C), modifie-t-elle la perception des enjeux sociaux de l’œuvre (O) ?”. L’étudiant saura transformer une interrogation vague en une question de recherche opératoire.

II.3 Construction du cadre théorique et dialogue avec les auteurs

Ancrer la recherche dans un corpus théorique solide est une nécessité absolue. Ce segment montre comment sélectionner les concepts pertinents chez des auteurs comme Grotowski, Artaud, ou des penseurs postcoloniaux comme Mbembe, pour construire un échafaudage analytique. Le cadre théorique n’est pas un catalogue de citations mais un outil pour interpréter les résultats de l’expérimentation scénique. L’étudiant sera capable de justifier ses choix artistiques par une argumentation théorique rigoureuse et sourcée.

II.4 La revue de littérature : stratégie et outils de gestion bibliographique

Une revue de littérature exhaustive prévient la redécouverte de ce qui est déjà connu et affine la problématique. Ce sous-chapitre fournit une méthodologie pour cartographier la recherche existante sur un sujet, en utilisant des bases de données académiques et des archives locales, comme celles du Centre Aequatoria. L’utilisation de logiciels de gestion bibliographique (Zotero, Mendeley) est enseignée comme une compétence technique fondamentale. L’étudiant maîtrisera l’art de synthétiser la connaissance existante pour positionner l’originalité de son propre travail.

Chapitre III. Le Protocole Expérimental en Mise en Scène : Conception et Validation

La transposition du protocole expérimental des sciences de laboratoire au plateau de théâtre vacille sous la complexité du facteur humain. Ce chapitre affronte ce défi de front. Il ne s’agit pas de nier la subjectivité mais de la cadrer, en s’inspirant des quasi-expériences de Campbell et Stanley pour concevoir des dispositifs de recherche valides en contexte non contrôlé. L’objectif est de rendre les résultats d’une expérimentation scénique fiables et interprétables. L’ingénieur-dramaturge saura concevoir une expérience scénique mesurable.

III.1 Définition et contrôle des variables dans un processus créatif

Isoler les variables dans une œuvre vivante est le défi majeur. Ce module enseigne à distinguer les variables indépendantes (l’élément que le chercheur manipule, ex: un type d’éclairage), dépendantes (l’effet mesuré, ex: la réaction émotionnelle du public) et parasites (les facteurs externes à neutraliser). L’application se fera sur un cas pratique : tester l’impact du rythme de la diction sur la compréhension d’un texte poétique par un public de Bukavu. L’étudiant apprendra à décomposer un projet artistique en variables mesurables.

III.2 Design expérimental : groupes de contrôle et randomisation

La constitution de groupes est la clé de la validité comparative. Ce sous-chapitre explique comment créer un groupe expérimental (exposé à l’innovation scénique) et un groupe de contrôle (exposé à une version standard) dans le cadre d’une représentation. Les techniques de randomisation et d’appariement des spectateurs sont abordées pour garantir la comparabilité des résultats et minimiser les biais de sélection. L’étudiant sera capable de concevoir un design expérimental robuste pour tester une hypothèse de mise en scène.

III.3 Outils de collecte des données : de l’observation à l’entretien post-performance

Des outils de collecte de données fiables sont essentiels pour objectiver les réactions. Ce segment présente un arsenal méthodologique : grilles d’observation comportementale pour codeurs, questionnaires post-représentation basés sur l’échelle de Likert, et protocoles d’entretiens semi-directifs pour explorer l’expérience subjective du spectateur. La triangulation de ces données quantitatives et qualitatives est présentée comme la norme d’excellence. L’étudiant maîtrisera la conception et l’administration d’instruments de mesure adaptés au contexte théâtral.

III.4 Éthique de la recherche avec des participants humains (acteurs et public)

La protection des participants est une obligation non négociable. Ce sous-chapitre détaille les procédures pour obtenir un consentement éclairé des acteurs et du public, garantir l’anonymat des données et gérer les réactions émotionnelles imprévues. Il aborde la question de la soumission du projet à un comité d’éthique, une pratique à systématiser en RDC. L’étudiant saura rédiger une notice d’information et un formulaire de consentement conformes aux standards internationaux de la recherche.

PARTIE 2 : PROTOCOLES EXPÉRIMENTAUX ET TERRAINS D’APPLICATION

Chapitre V. Le Corps de l’Acteur comme Laboratoire Vivant

Le “théâtre pauvre” de Grotowski, qui prône un dépouillement scénique radical, offre un paradigme puissant pour la recherche expérimentale. Ce chapitre transpose ce concept aux réalités congolaises, où la richesse des traditions corporelles (danses, rituels) constitue un matériau premier. Comment isoler et amplifier un geste, une intonation, une dynamique de groupe pour en faire l’épicentre d’une dramaturgie ? L’étudiant maîtrisera la conception de protocoles de recherche-création centrés sur la physicalité de l’acteur, transformant le corps en principal instrument d’investigation scénique.

V.1 La psychophysique de l’acteur : du training à l’expérimentation

Une exploration rigoureuse des techniques de training de l’acteur (Stanislavski, Grotowski, Barba) constitue le socle de ce module. L’objectif est de dépasser la simple préparation pour transformer l’entraînement en protocole expérimental mesurable. L’étudiant apprendra à isoler des variables psychophysiques précises et à observer leurs effets sur la production de sens et d’émotion, établissant un pont direct entre la préparation de l’acteur et l’hypothèse de recherche.

V.2 L’improvisation structurée comme outil de collecte de données

Face à la volatilité de l’improvisation, ce sous-chapitre établit des cadres méthodologiques pour la rendre exploitable scientifiquement. Il s’agit de concevoir des contraintes (spatiales, temporelles, textuelles, relationnelles) qui transforment le jeu libre en une collecte de matériaux dramaturgiques analysables. L’apprenant saura diriger une séance d’improvisation structurée, la documenter et en extraire des patterns comportementaux et textuels pertinents pour la recherche-création, notamment dans l’exploration des dynamiques sociales locales.

V.3 Analyse sémiologique de la partition corporelle

Une analyse rigoureuse des partitions corporelles, inspirée des travaux de la cinétographie Laban, permet de décomposer le mouvement en unités objectives. Ce segment dote l’étudiant d’outils pour “écrire” et analyser le geste scénique avec une précision scientifique, en le détachant de l’interprétation subjective. Cette compétence est cruciale pour comparer différentes versions d’une performance ou pour étudier l’impact d’une modification gestuelle sur la perception du public, particulièrement dans l’étude des danses traditionnelles congolaises.

V.4 Ethno-scénologie : le corps comme archive culturelle vivante

Sous l’angle de l’ethno-scénologie, le corps de l’acteur devient le dépositaire et le réanimateur de pratiques culturelles. Ce module enseigne comment mener une recherche de terrain pour collecter des gestuelles, des rituels ou des récits oraux issus du patrimoine congolais. L’étudiant apprendra à intégrer ces matériaux dans un processus de création expérimental qui interroge leur signification contemporaine, forgeant une compétence unique à l’intersection de l’anthropologie et de la pratique scénique.

Chapitre VI. Scénographie et Technologies Numériques : Variables d’Expérimentation

Le plateau traditionnel, avec sa frontalité héritée, contraint souvent l’expérimentation. L’irruption du numérique bouleverse cette axiomatique en proposant des espaces immersifs et interactifs. Ce chapitre analyse les protocoles intégrant la scénographie augmentée comme variable de recherche. Comment la projection vidéo ou un dispositif sonore spatialisé modifient-ils la perception du spectateur et le jeu de l’acteur dans un contexte kinois ? L’apprenant saura concevoir et piloter une recherche-création où la technologie est un agent dramaturgique actif.

VI.1 L’architecture de l’espace non-conventionnel

Une connaissance approfondie des principes de la dramaturgie spatiale est ici développée pour investir des lieux non-dédiés au théâtre (usines désaffectées, marchés, espaces publics de Kinshasa). L’enjeu est de transformer les contraintes d’un lieu en atouts dramaturgiques. L’étudiant apprendra à analyser un site, à y définir des zones de jeu et de circulation, et à concevoir un protocole où l’espace lui-même devient un acteur principal de l’expérimentation théâtrale.

VI.2 La lumière et la vidéo comme agents dramaturgiques actifs

Au-delà de sa fonction d’éclairage, la lumière est étudiée ici comme un outil de manipulation de la perception et de structuration de l’espace. Ce module technique et pratique forme à la conception de partitions lumières complexes et à l’intégration du mapping vidéo. L’étudiant sera capable de programmer un dispositif lumière/vidéo qui ne se contente pas d’illustrer, mais qui constitue une variable expérimentale contrôlée, capable de modifier radicalement l’expérience du spectateur.

VI.3 Le design sonore et la dramaturgie acoustique immersive

Face aux défis de la pollution sonore urbaine en RDC, la maîtrise de l’environnement acoustique est une compétence stratégique. Ce sous-chapitre aborde la création de paysages sonores (soundscapes) et l’utilisation de la spatialisation (son multicanal) pour construire des dramaturgies immersives. L’étudiant apprendra à utiliser des logiciels de design sonore pour sculpter l’acoustique d’un lieu et guider l’attention du public, transformant le son en un puissant outil de recherche sur l’affect.

VI.4 Concevoir l’interactivité : du spectateur-acteur aux dispositifs réactifs

La notion d’interactivité est ici déconstruite et rendue opérationnelle pour la recherche. Le cours explore les méthodologies pour concevoir des dispositifs scéniques qui réagissent en temps réel aux actions des acteurs ou du public (via capteurs, caméras). L’apprenant maîtrisera les bases de la programmation de l’interactivité (avec des outils comme Isadora ou TouchDesigner), lui permettant de tester des hypothèses sur la relation entre l’œuvre et son public dans un cadre contrôlé.

Chapitre VII. Protocoles de Réception et Archivage de l’Éphémère

L’évaluation de l’impact d’une œuvre bute sur un débat : la primauté de l’herméneutique critique face aux approches quantitatives de la réception. Ce chapitre tranche en faveur d’une méthodologie mixte. Il s’agit de construire des outils d’enquête (questionnaires, entretiens post-spectacle) adaptés aux publics congolais pour mesurer objectivement les effets cognitifs et émotionnels d’une performance. L’étudiant forgera la compétence de documenter scientifiquement l’expérience du spectateur et d’archiver une création éphémère via des formats exploitables pour la recherche future.

VII.1 Élaboration de grilles d’observation et de questionnaires

D’origine sociologique, les techniques d’enquête sont ici adaptées à l’étude de la réception théâtrale. Ce module se concentre sur la conception de grilles d’observation comportementale (postures, réactions) et de questionnaires post-performance mesurant l’impact cognitif et affectif. L’étudiant apprendra à formuler des questions non-biaisées et à structurer des échelles de Likert pertinentes pour quantifier les réactions d’un public, une compétence essentielle pour valider les hypothèses d’une recherche-création.

VII.2 La conduite d’entretiens qualitatifs et de focus groups

Une connaissance fine des méthodes d’entretien semi-directif est indispensable pour saisir la complexité de l’expérience du spectateur. Ce sous-chapitre forme à la préparation et à la conduite de focus groups et d’entretiens individuels après une représentation. L’apprenant saura créer un climat de confiance, poser des questions ouvertes et analyser le discours des spectateurs pour en extraire des données qualitatives riches, complétant ainsi l’approche quantitative des questionnaires.

VII.3 La captation vidéo comme outil d’analyse et non de promotion

Face au défi de la documentation vidéo, ce segment enseigne à filmer une performance dans une optique de recherche. Il s’agit de définir un protocole de captation (multi-caméras, choix des axes, enregistrement du son public) qui permette une analyse a posteriori du jeu, de l’espace et des réactions du public. L’étudiant sera capable de diriger une captation scientifique, produisant un matériau vidéo qui sert de donnée brute pour l’analyse et non de simple archive promotionnelle.

VII.4 Constitution d’archives numériques multimodales pour la recherche

La pérennisation de la recherche-création exige des formats d’archivage innovants. Ce module final enseigne à concevoir et à structurer une archive numérique multimodale (vidéos, notes de mise en scène, partitions, données de réception, articles critiques). L’étudiant apprendra à utiliser des plateformes de gestion de données pour créer un corpus de recherche cohérent, accessible et exploitable sur le long terme par la communauté scientifique internationale.

ANNEXES

A. Grille de protocole de recherche expérimentale

Face à la dispersion méthodologique fréquente en recherche-création, cette grille impose une discipline de fer. Elle formalise chaque étape, de la formulation de l’hypothèse (ex: l’impact du masque N’kisi sur l’empathie du spectateur) à la définition des variables de contrôle et des indicateurs de performance mesurables. En appliquant ce canevas à une performance de théâtre-forum à Kinshasa, l’étudiant forge une compétence rare : la capacité à quantifier l’impact esthétique et à produire des résultats de recherche défendables internationalement.

B. Glossaire comparatif des terminologies de la performance (Global vs. RDC)

La traduction des concepts performatifs occidentaux se heurte souvent à l’irréductibilité des pratiques congolaises. Ce glossaire critique ne se contente pas de définir ; il met en tension des notions comme la “mise en scène” avec la dynamique du “libanga” ou le “personnage” avec les figures archétypales du théâtre Kotéba. L’objectif est de doter le chercheur d’un appareil conceptuel décolonisé, capable de saisir la spécificité des esthétiques locales sans les déformer. Il produira une analyse d’une acuité sémantique supérieure.

C. Canevas de rédaction d’un article scientifique pour une revue d’arts du spectacle

Une connaissance des standards de publication internationaux est un impératif de carrière non négociable. Ce canevas structurel détaille l’architecture d’un article publiable, en adaptant le format IMRaD (Introduction, Méthodologie, Résultats, Discussion) aux spécificités de l’analyse performative. Il guide le chercheur dans l’articulation de sa problématique, la présentation de son protocole expérimental et la discussion de ses résultats, par exemple sur une création à Lubumbashi. La compétence visée est l’autonomie rédactionnelle et l’intégration des circuits académiques mondiaux.

D. Charte éthique du chercheur en arts vivants en contexte congolais

Inspirée par les travaux sur l’éthique décoloniale, cette charte fournit un cadre déontologique strict pour toute investigation sur le terrain. Elle codifie les principes de consentement éclairé, de restitution des savoirs aux communautés sources (par exemple, les détenteurs de traditions orales Kasaïennes) et de juste rétribution des collaborateurs artistiques locaux. L’application de cette charte garantit une recherche non-extractive et respectueuse. L’étudiant apprend à bâtir une relation de confiance durable, fondement de toute recherche pertinente et légitime.

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Cours de Planification et analyse des projets touristiques et environnementaux, master-2, PTE2231

Cours de Préparation à la vie professionnelle II, master-2, PVP2231

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Cours de Restauration bois et céramique : Atelier 2, licence-2, RBC1231

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