PRÉLIMINAIRES

I. Objectifs Pédagogiques et Compétences Visées

Ce manuel structure une expertise duale, à l’intersection de l’art dramatique et de l’ingénierie audiovisuelle. L’objectif est de rendre l’étudiant capable de concevoir, réaliser et monter une captation d’œuvre théâtrale qui respecte l’intention artistique tout en exploitant la grammaire de l’image. Au terme du cursus, il maîtrisera l’adaptation du jeu scénique aux contraintes de l’objectif, la manipulation des équipements de prise de vue et de son, et le montage narratif d’une performance enregistrée, compétences essentielles pour le secteur créatif.

II. Méthodologie et Modalités d’Évaluation

L’approche pédagogique est résolument pratique, fondée sur le principe du “learning by doing”. Des ateliers techniques intensifs alterneront avec des analyses critiques de captations existantes et des études de cas concrets issus du paysage culturel congolais. L’évaluation est continue et se base sur des exercices pratiques de manipulation d’équipement, une analyse filmique d’une captation imposée, et la réalisation en groupe d’un projet final : la captation complète d’une scène de théâtre de dix minutes, du découpage technique à l’étalonnage final.

III. Ancrage Socio-Économique en RDC

Cette Unité d’Enseignement répond à un besoin stratégique du marché culturel en République Démocratique du Congo. Face à l’essor des plateformes numériques et à la demande croissante de contenus locaux de qualité pour les diffuseurs nationaux (RTNC, B-One) et internationaux, la compétence en captation professionnelle est un levier d’employabilité direct. Elle permet la valorisation et l’archivage du patrimoine théâtral congolais, la création de produits dérivés pour les compagnies (teasers, spectacles en VOD) et ouvre des carrières de réalisateurs et techniciens spécialisés.

PARTIE 1 : FONDEMENTS DE LA CAPTATION DRAMATIQUE : DE LA SCÈNE À L’ÉCRAN

Chapitre I. Grammaire Comparée : Théâtre et Cinéma

La distinction ontologique d’André Bazin entre la présence scénique et l’image-trace photographique fonde notre analyse. Ici, la théorie confronte la pratique vivante du théâtre de rue kinois et les productions du Tarmac des Auteurs. Le cours dissèque la transposition du corps, de la voix et de l’espace d’un médium à l’autre, en s’appuyant sur des exemples concrets. L’étudiant forgera une compétence analytique fine : diagnostiquer les défis et opportunités d’une adaptation avant même le premier tour de manivelle.

I.1 Une analyse rigoureuse de la gestion spatiale

La scène théâtrale, espace physique partagé et unifié, s’oppose au cadre cinématographique, fragmentaire et recomposé par le montage. Ce module étudie comment traduire la profondeur de champ scénique en une succession de plans (larges, moyens, serrés) sans trahir la chorégraphie originale. L’étudiant apprendra à cartographier une mise en scène théâtrale pour en déduire un découpage technique pertinent, préservant les dynamiques spatiales voulues par le metteur en scène.

I.2 Face à la continuité du temps théâtral

Le temps réel de la représentation s’oppose au temps élastique du cinéma, manipulable par le montage, les ellipses et les flashbacks. Cette section examine les stratégies pour conserver le rythme d’une performance tout en utilisant les outils de la post-production pour en densifier l’impact. L’apprenant sera capable de monter une séquence en respectant le tempo interne du jeu des acteurs, tout en créant une expérience rythmée pour le spectateur à l’écran.

I.3 Fondamentalement distincte, la position du spectateur

Au théâtre, le spectateur choisit où porter son regard ; au cinéma, la caméra impose le point de vue. Ce sous-chapitre analyse les implications de ce transfert de pouvoir, notamment dans la gestion de l’attention et la construction du sens. L’étudiant se formera à utiliser l’axe de la caméra et le choix des focales comme des outils de mise en scène à part entière, guidant activement le regard pour souligner un détail, une réaction ou une relation.

I.4 Sous l’angle de sa matérialité, l’accessoire change de statut

Un objet symbolique sur scène peut devenir un “Chekhov’s gun” narratif à l’écran, chargé d’une importance décuplée par le gros plan. Nous étudions ici comment la caméra recontextualise les objets et les costumes, leur conférant une fonction narrative plus explicite. La compétence visée est la capacité à identifier les accessoires clés d’une pièce et à planifier des inserts et des valeurs de plan spécifiques pour maximiser leur impact dramatique dans la version filmée.

Chapitre II. L’Acteur face à l’Objectif : Adaptation du Jeu

La querelle entre l’intériorité stanislavskienne et la distanciation brechtienne trouve un arbitre implacable : la caméra. Ce chapitre tranche le débat en analysant comment l’objectif magnifie ou trahit chaque micro-expression, rendant certaines techniques scéniques obsolètes. Comment conserver la puissance d’un jeu tout en l’adaptant à la fragmentation du découpage technique ? En répondant à cette question, l’acteur-réalisateur développera une méthodologie précise pour diriger et s’auto-diriger, assurant une performance juste et calibrée pour l’écosystème médiatique congolais.

II.1 Une connaissance approfondie des dynamiques vocales

La projection nécessaire pour atteindre le fond d’une salle de théâtre devient criarde et contre-productive face à un micro-cravate. Ce module se concentre sur la transition de la voix projetée à la voix intime, en travaillant sur l’articulation, l’intention et le sous-texte. L’acteur apprendra à moduler sa performance vocale pour le micro, en exploitant la proximité sonore pour créer une connexion directe et confidentielle avec le spectateur final.

II.2 Dictée par les limites du cadre, l’économie du geste s’impose

Un mouvement ample et expressif sur scène peut paraître chaotique ou sortir du champ de la caméra. Cette section enseigne la discipline du corps face à l’objectif, en se concentrant sur la précision du geste et l’expressivité du visage. L’étudiant maîtrisera l’art de contenir son énergie physique dans les limites du cadre défini, transformant les contraintes en une source de jeu plus intense et concentré, particulièrement en gros plan.

II.3 À l’opposé du développement linéaire scénique, la construction du personnage se fait par fragments

Le tournage non-chronologique impose à l’acteur de pouvoir recréer l’état émotionnel d’une scène à la demande, sans s’appuyer sur la continuité de la représentation. Nous abordons ici les techniques de préparation mentale et de suivi de la continuité émotionnelle (raccords de jeu). L’acteur forgera la capacité à construire son personnage par touches successives et désordonnées, garantissant la cohérence psychologique de sa performance une fois le montage achevé.

II.4 D’une puissance symbolique immense, le regard caméra modifie la donne

Au théâtre, le quatrième mur est une convention ; au cinéma, le regard direct vers l’objectif peut le briser ou, au contraire, créer une complicité inédite. Ce segment analyse l’usage et l’impact du regard caméra, de l’adresse au public à la révélation d’une pensée intime. L’apprenant saura utiliser cette technique avec une intentionnalité précise, soit pour renforcer une convention théâtrale filmée, soit pour adopter un code purement cinématographique.

Chapitre III. Technologie de la Captation : L’Arsenal Numérique

L’idéal d’un équipement hollywoodien se heurte aux réalités logistiques et budgétaires du terrain congolais. Ce chapitre réfute le mythe du matériel unique en se concentrant sur l’optimisation des outils accessibles, du smartphone pro aux boîtiers hybrides. Il s’agit de prouver qu’une maîtrise technique supplante la course à l’équipement. L’étudiant apprendra à configurer et à pousser dans leurs retranchements des configurations légères. Sa compétence : garantir une image et un son professionnels avec des moyens contraints.

III.1 Essentielle à la narration visuelle, la maîtrise des optiques est primordiale

Le choix d’une focale n’est pas un acte neutre ; il définit la relation du spectateur à l’action et déforme ou respecte la perspective. Ce module technique décortique la relation entre longueur focale, ouverture du diaphragme et profondeur de champ. L’étudiant sera capable de choisir son optique en fonction de l’effet désiré : isoler un acteur avec un téléobjectif à grande ouverture ou immerger le spectateur dans le décor avec un grand-angle.

III.2 D’origine picturale, la technique des trois points lumineux est la base

Éclairer une performance théâtrale pour la caméra consiste à sculpter les corps et les visages tout en créant une ambiance lisible. Ce sous-chapitre enseigne la mise en place d’un éclairage de base (key light, fill light, back light) avec des sources abordables, y compris la lumière naturelle. L’apprenant saura modeler un visage, détacher un sujet de son arrière-plan et gérer les contrastes pour produire une image à la fois esthétique et dramatiquement cohérente.

III.3 Souvent négligée, la qualité sonore est pourtant non négociable

Une image parfaite ne peut sauver un son inaudible ou saturé de bruits parasites. Cette section est dédiée aux fondamentaux de la prise de son sur un plateau : choix et placement des microphones (canon, cravate, d’ambiance), réglage des niveaux d’enregistrement et anticipation des problèmes acoustiques. L’étudiant développera une compétence critique : sécuriser un enregistrement sonore clair et exploitable, condition sine qua non de toute production professionnelle.

III.4 Face au risque de perte de données, une gestion rigoureuse est impérative

Le rôle du “Digital Imaging Technician” (DIT) est crucial, même à petite échelle, pour garantir la sécurité des images tournées. Ce module couvre les procédures de sauvegarde et de vérification des fichiers sur le lieu de tournage, l’organisation des rushes et la création de proxys pour le montage. L’étudiant adoptera une méthodologie de travail rigoureuse pour prévenir toute perte de données, assurant l’intégrité de la production de la captation à la post-production.

PARTIE 2 : De la Scène à l’Écran : Ingénierie de la Captation Dramatique

Chapitre IV. La Grammaire de la Caméra et le Dispositif de Captation

La captation théâtrale vacille souvent face à un écueil majeur : la simple retransmission documentaire qui aplatit la performance. Ce chapitre réfute cette approche passive. Il impose une grammaire visuelle active, où chaque choix de focale, d’axe et de mouvement de caméra devient un acte d’interprétation qui prolonge le jeu de l’acteur. En analysant des captations du Tarmac des Auteurs à Kinshasa, l’étudiant forgera une compétence décisive : concevoir un plan de découpage technique qui traduit la tridimensionnalité scénique en une expérience cinématographique puissante.

IV.1 Le découpage technique et le choix des optiques

Le découpage technique, plan de bataille du réalisateur, systématise la vision artistique avant même le tournage. Il traduit le texte dramatique en une séquence de plans, définissant les valeurs et les angles pour chaque moment clé. Cette méthode permet d’anticiper les besoins en matériel et de garantir une cohérence narrative, particulièrement dans la captation d’une pièce jouée dans l’espace unique du Centre Wallonie-Bruxelles. L’étudiant apprendra à sélectionner l’optique précise (grand-angle, téléobjectif) pour servir une intention dramaturgique spécifique.

IV.2 La gestion de la profondeur de champ et du point

Une maîtrise chirurgicale de la mise au point guide le regard du spectateur, isolant un personnage ou un détail crucial au sein d’une scène complexe. La gestion de la profondeur de champ (bokeh) n’est pas un simple effet esthétique ; elle devient un outil narratif pour hiérarchiser les informations visuelles et accentuer la tension psychologique. Appliquée aux scènes de groupe du théâtre congolais, cette technique permet de sculpter l’espace. L’apprenant saura manipuler le diaphragme et le point pour diriger l’attention avec une précision dramaturgique.

IV.3 Les mouvements de caméra : travelling, panoramique et grue

Sous l’angle de la dynamique, le mouvement de caméra insuffle la vie à un cadre autrement statique, accompagnant le déplacement d’un acteur ou révélant un nouvel élément du décor. Un travelling fluide peut amplifier l’intensité d’un monologue, tandis qu’un panoramique lent peut établir l’atmosphère d’un lieu. En s’exerçant à filmer les chorégraphies exigeantes des ballets traditionnels, l’étudiant sera capable d’exécuter des mouvements complexes qui renforcent l’énergie de la performance sans la perturber.

IV.4 L’éclairage de plateau pour la caméra HD/4K

Face à la sensibilité des capteurs numériques, l’éclairage de scène traditionnel se révèle souvent inadéquat, créant des zones surexposées ou des ombres bouchées. Cette section aborde la science de l’éclairage trois-points (key, fill, back light) adapté aux contraintes du direct et aux exigences de la haute définition. L’enjeu est de modeler les visages et les corps tout en préservant l’ambiance lumineuse originelle de la pièce. L’étudiant concevra un plan de feux qui satisfait à la fois l’œil du spectateur en salle et l’objectif de la caméra.

Chapitre V. Ingénierie Sonore pour la Scène Filmée

La prise de son théâtrale est un champ de bataille. Faut-il privilégier la pureté du dialogue via des micros HF ou l’authenticité de l’ambiance de salle ? Ce chapitre tranche le débat en proposant une approche hybride, adaptée aux acoustiques variables des centres culturels de la RDC. En étudiant les techniques de mixage multicanal et la réduction de bruit ciblée, l’étudiant acquerra une expertise rare. Il saura sculpter un espace sonore immersif qui préserve l’intelligibilité vocale et l’énergie brute du direct.

V.1 Typologie des microphones et techniques de placement

D’origine électroacoustique, le choix du microphone conditionne la texture même de l’enregistrement, de la chaleur d’un micro à ruban à la précision d’un statique. Ce module analyse de manière pragmatique les avantages des micros-cravates (lavaliers) pour l’isolation des voix et des micros canons (shotguns) pour la captation directionnelle. L’étudiant apprendra les techniques de dissimulation et de placement optimal pour enregistrer un dialogue clair sur les scènes parfois bruyantes de Goma, sans compromettre le mouvement des comédiens.

V.2 La prise de son multicanal et la gestion des sources

Face à la multiplicité des acteurs et des sources sonores sur scène, une approche monophonique est vouée à l’échec. La prise de son multicanal, via des enregistreurs de terrain comme le Zoom H6 ou le Sound Devices MixPre, est la seule solution professionnelle. Elle permet d’isoler chaque source sur une piste distincte pour un contrôle total en post-production. L’apprenant configurera un système d’enregistrement complexe, gérant les niveaux de plusieurs acteurs et musiciens simultanément lors d’une performance à l’Institut Français de Kinshasa.

V.3 Le mixage en direct et la balance son/ambiance

Une connaissance fine des consoles de mixage numériques permet d’ajuster en temps réel l’équilibre entre la clarté des voix et l’atmosphère de la salle. Le technicien devient un interprète, anticipant les montées en puissance vocale et les moments de silence pour garantir une expérience d’écoute dynamique. Ce sous-chapitre se concentre sur l’utilisation des EQs et des compresseurs en situation de direct. L’étudiant réalisera une balance sonore live, assurant une intelligibilité parfaite sans sacrifier la réaction du public.

V.4 L’enregistrement des environnements sonores et des bruitages

Sous l’angle de l’immersion, la captation des sons d’ambiance spécifiques à un lieu, comme les bruits de la rue à Matonge ou le vent dans les plaines du Kivu, enrichit la narration. Ces textures sonores, enregistrées séparément, sont ensuite réintégrées subtilement au mixage pour ancrer la fiction dans une réalité tangible et reconnaissable. Cette démarche de “sound design” est fondamentale pour le documentaire de création. L’étudiant constituera une banque de sons authentiques et apprendra à les utiliser pour augmenter l’impact émotionnel de l’œuvre.

Chapitre VI. Post-production et Étalonnage : La Finalisation de l’Œuvre Dramatique Numérique

Le montage non-linéaire, concept révolutionnaire initié par Avid, constitue la colonne vertébrale de la post-production moderne. Ce module transforme cette technologie en un outil de dramaturgie. Comment le rythme du montage peut-il amplifier la tension d’une scène ou révéler la psychologie d’un personnage ? En travaillant sur des rushes de pièces congolaises, l’étudiant maîtrisera la chaîne complète du montage à l’étalonnage. Il sera capable de livrer un produit fini au standard de diffusion internationale, porteur d’une identité visuelle forte.

VI.1 Le dérushage et l’organisation des médias (workflow)

Une organisation rigoureuse des fichiers en amont est le garant d’un processus de montage fluide et efficace, prévenant la perte de données et les erreurs de synchronisation. Ce segment impose une méthodologie stricte : nommage des fichiers, création de chutiers (bins), utilisation de proxies pour les projets 4K et synchronisation des sources multi-caméras. En gérant les données d’une captation réelle, l’étudiant établira un workflow professionnel sur des logiciels comme Adobe Premiere Pro, une compétence essentielle pour intégrer les studios de production de Kinshasa.

VI.2 Les techniques de montage : rythme, raccord et narration

Sous l’angle narratif, le montage est une réécriture. Chaque coupe, chaque transition, chaque choix de plan modifie la perception du spectateur et le rythme de la pièce originelle. Ce module analyse les théories du raccord (dans l’axe, de regard, de mouvement) et leur application pour créer une continuité fluide ou, au contraire, une rupture stylistique intentionnelle. L’étudiant montera une scène dialoguée complexe, en s’assurant que le rythme des coupes soutient la performance des acteurs et la progression dramatique.

VI.3 L’étalonnage colorimétrique et la création d’une atmosphère

La colorimétrie, science de la manipulation des couleurs, sert à unifier les plans issus de différentes caméras et à sculpter l’ambiance psychologique de l’œuvre. Elle permet de traduire des émotions en teintes, contrastes et saturations. En utilisant des outils comme DaVinci Resolve, l’étudiant apprendra à créer une signature visuelle unique, capable d’évoquer la chaleur humide de l’équateur ou la froideur d’un drame psychologique. Il maîtrisera la correction primaire et secondaire pour produire une image cinématographique cohérente et expressive.

VI.4 Le mixage audio final et le mastering (sound design)

Face aux disparités de niveaux sonores entre les différentes prises, le mixage final est une étape critique pour garantir un confort d’écoute optimal sur tout type de système de diffusion. Cette phase consiste à équilibrer les dialogues, la musique et les ambiances, à nettoyer les bruits parasites et à appliquer des effets (réverbération, compression) pour créer un espace sonore crédible. L’étudiant finalisera la bande-son d’un projet, en respectant les normes de diffusion (LUFS) pour livrer un master audio professionnel.

ANNEXES

A. Vade-mecum technique du matériel de captation

Face aux contraintes hygrométriques et lumineuses du bassin du Congo, le choix du matériel de captation devient un acte stratégique. Cette annexe fournit des fiches techniques comparatives pour les capteurs, optiques et systèmes de prise de son les plus pertinents pour le contexte local. Elle analyse la performance des équipements en conditions de forte humidité ou de faible éclairage, typiques des salles de spectacle de Kinshasa. L’étudiant forgera la compétence de constituer un parc matériel optimisé, justifiant chaque choix par une analyse rigoureuse.

B. Modèles de contrats et autorisations de tournage

Une connaissance approfondie des cadres juridiques est le fondement de toute production professionnelle. Cet appendice propose des modèles commentés de contrats d’engagement pour comédiens, d’autorisations de droit à l’image et de conventions de tournage, conformes aux usages en RDC. L’accent est mis sur la protection des artistes et la clarification des droits de diffusion pour les chaînes nationales. Le futur réalisateur acquiert ici une autonomie administrative totale, capable de sécuriser juridiquement et financièrement son projet dramatique.

C. Étude de cas : La captation de « N’gando » au Tarmac des Auteurs

L’adaptation de la pièce « N’gando » constitue un cas d’école pour la transposition scénique à l’écran en RDC. Cette section dissèque plan par plan la captation réalisée au Tarmac des Auteurs à Kinshasa, analysant les choix de réalisation, de montage et de mixage sonore. Elle met en lumière comment la grammaire cinématographique a servi à amplifier l’intensité dramatique originelle sans la trahir. L’apprenant développe une capacité critique pour évaluer la pertinence d’une adaptation et en modéliser les facteurs de succès.

D. Protocole de pré-production pour une dramatique filmée

D’une rigueur absolue, la phase de pré-production détermine 80% du succès d’une captation. Cette annexe offre une feuille de route chronologique et détaillée, du découpage technique de la pièce au plan de travail final. Elle formalise chaque étape : repérages techniques, essais lumière et son, coordination des équipes, et validation du matériel en conditions réelles. L’étudiant s’approprie une méthode de planification systématique, lui permettant de piloter un tournage avec une maîtrise totale des coûts, des délais et des imprévus.

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Cours de Sciences de la vie, licence-2, SDV1242

Cours de Technique de mass-média et relations publiques, licence-2, TMM11231

Cours de Gestion des risques en hôtellerie, master-2, GHO2231

Cours de Des questions de style en danse, master-2, QSD2231

Cours de Topographie, master-2, TOP2231

Cours de Stage professionnel, master-2, DCH2241